domingo, 28 de febrero de 2016

De paseo por ARCO 2016

Por muy cansada que esté, y por muy ajetreada que haya sido mi semana, mi cita con ARCO nunca falla. Con cierta desgana nada más comenzar por la abrumadora cantidad de galerías y de obras, cogí mi cámara y me puse manos a la obra. 

Si bien es cierto que he quedado estupefacta por algunas de las piezas que he visto, he encontrado otras que han conseguido llamar mi atención e incluso hacerme desear tener unos cuantos bastantes miles de euros para llevármelas a casa. Cada año soy más crítica y más exigente con lo que veo en ARCO, o al menos así lo he sentido este año. Pocas cosas que de verdad me merecieran la pena hacerles una foto para hablar de ellas después.

Los clásicos, siempre presentes

Es indiscutible que el arte clásico sigue siendo referencia y fuente de inspiración para los artistas del siglo XXI. Un artista siempre tiene que mirar atrás para aprender, entender, valorar, sentir, y dejarse invadir por lo que hicieron sus antecesores.

ARCO es un lugar idóneo para ver ejemplos de estas influencias o referencias al arte del pasado. Podríamos entenderlo como una especie de juego con antiguos motivos, un modo de reinterpretar grandes obras del pasado para darles un nuevo significado, una muestra de recontextualización y/o de deconstrucción para crear algo nuevo más cercano al público del siglo XXI. No olvidemos que así como la sociedad y sus gustos cambian, así lo hace el arte y la cultura de consumo (¿o consumo de cultura?). (Nota: Algunas de ellas, lejos de parecerme estéticamente estimulantes y de mi gusto personal, he tenido que incluirlas en esta lista).

Lino Lago

Lino Lago. Galería Álvaro Alcázar


 







Diego de Velázquez, Felipe IV. 1626-28. Museo del Prado.

Al igual que hizo con sus Meninas, Lino Lago vuelve a "manchar" un famoso lienzo de Velázquez con pintura amarilla. Este artista gallego defiende un discurso crítico y muestra cierta incomodidad respecto a lo que supone el acto de la pintura, en contraste con una magnifica factura y su técnica hiperrealista. 

Hans-Peter Feldmann

Hans-Peter Feldmann, Big Portrait. Mehdi Chouakri
El Greco, La dama del armiño,1577 - 1579. Glasgow, Lent by Glasgow Life

Feldmann es uno de los artistas más representativos de la escena alemana de los años sesenta y setenta, y desde el comienzo de su carrera su interés ha sido recolectar diferentes objetos, fotografías e imágenes con los que realizar composiciones diferentes, reinterpretaciones de lo sumamente cotidiano.

Kota Ezawa

Kota Ezawa. Christopher Grimes Gallery
Johannes Vermeer, El concierto, 1664. En el Museo Isabella Stewart Gardner hasta su robo en 1990.

Este artista alemán toma elementos de la cultura popular y de la historia del arte para, a través de técnicas digitales, collage, témpera, recortes, etc., recontextualizar la imagen y crear algo nuevo a partir de sus formas más elementales. 

Gelatin 
 
Gelatin, Untitled (Mona Lisa), 2011. Tim van Laere Gallery
Leonardo da Vinci, La Gioconda, 1503-1517. Museo del Louvre
 
Creo que en este ejemplo sobran las palabras. La Gioconda es una de las obras más parodiadas, reinterpretadas y repensadas de la Historia del Arte. A veces haciendo alarde de mal gusto, todo hay que decirlo, pero sin lugar a dudas La Gioconda es todo un icono del arte que no se salva de este tipo de recontextualizaciones. 

Soledad Sevilla

Soledad Sevilla, La Verónica-A, 2007. Colección 'Doce artistas en el Museo del Prado'
Guido Reni, Hipómenes y Atalanta, 1618-19. Museo del Prado.

Iniciativa de la Fundación Amigos del Museo del Prado, la colección 'Doce artistas en el Museo del Prado" tiene como intención mostrar la relación del artista del siglo XXI con los artistas del pasado, creando así nuevas obras que muestran una visión del arte clásico y cómo éste ha influido en la actualidad. Además de Soledad Sevilla, participaron Isabel Baquedano, Carmen Calvo, Naia del Castillo, Cristina García Rodero, Cristina Iglesias, Carmen Laffón, Ouka Leele, Eva Lootz, Blanca Muñoz, Isabel Quintanilla y Susana Solano. 

Alain Urrutia

Alain Urrutia, La Victoire/ 2016. Galería Casado Santapau
Victoria alada de Samotracia. 190 a.C. Museo del Louvre
 
Otra joya del Louvre reinventada hasta el infinito, como así hiciera el artista Yves Klein en 1962, cuya "victoria" azul podemos ver en el Museo Reina Sofía de Madrid. En este caso nos encontramos ante un lienzo de Urrutia (perdonad la calidad de la imagen), un joven artista bilbaíno cuyos trabajos toman elementos del cine, la televisión y la fotografía. Llama la atención en su trabajo la incógnita y el misterio, el desconocimiento de lo que realmente se ve al otro lado. Mediante un juego de efectos plásticos y escalas, el artista nos muestra un volumen, una figura que en realidad se mantiene oculta al espectador, creando una atmósfera de incertidumbre y cierto desconocimiento. 

Mi selección de ARCO 2016

Además de estas reinterpretaciones, procedo a mostraros mis grandes descubrimientos de esta edición. Esto es lo bueno de ARCO, que entre tanta multitud siempre encuentras alguna joya que llevarte a casa, aunque sea sólo en la retina y en una tarjeta SD. Hasta el año que viene, ARCO!

Alicia Martín, Vórtice I. 2016.Galería Adora Calvo
Ali Banisadr, The Void, 2016. Galerie Thaddaeus Ropac
Jiri Georg Dokoupil. Untitled. 2012-2015. Galerie Forsblom
Jiri Georg Dokoupil. Untitled. 2012-2015. Galerie Forsblom
Kiluanji Kia Henda, The Geometric Ballad of Fear. 2015. Galería Filomena Soares
Secundino Hernánez, La gallina ciega, 2016. Galerie Krinzinger Vienna

jueves, 8 de octubre de 2015

Munch es más que El Grito

Si hace doce años me preguntaran cuál es mi artista favorito, no tendría ninguna duda: Edvard Munch. Con mi escasa formación en Historia del Arte por aquel entonces, es entendible que me gustara uno de los artistas más icónicos del arte vanguardista. Con los años, la investigación, y la formación, he conocido a otros tantos artistas que me conmuevan más o menos que Munch, pero él siempre estará en mi top ten.

Edvard Munch es mundialmente conocido por su obra El grito. Y tal es el reconocimiento de esta obra, que ha inspirado películas comerciales de terror adolescente (Scream) e incluso ha dado el salto al mundo digital contemporáneo convirtiéndose en un emoticono del Whatsapp. Es una de esas obras icónicas (mainstream que se dice ahora) que todo el mundo ha visto y que todos reconocen, al igual que la Gioconda de Leonardo o Los girasoles de Van Gogh. 

"El Grito" es una de las obras más reconocidas de Munch

Pero así como Van Gogh es más que unos girasoles, y Leonardo es más que una sonrisa enigmática, Munch es más que un grito. Y el Museo Thyssen-Bornemisza ha querido reflejar esta idea en su nueva exposición: Edvard Munch. Arquetipos


Edvard Munch (Noruega, 1863-1944) es considerado uno de los padres de la modernidad, a caballo entre la pintura tradicional académica y la experimentación. No podríamos englobar su pintura dentro de un estilo cerrado, aunque se le tilde de expresionista; a pesar de que sus primeras obras gozan de una clara similitud con la realidad, con tintes académicos y naturalistas, pronto derivó de manera radical en un estilo más personal, centrado en la emoción más profunda.

Uno de los aspectos favorables de esta exposición es que se trata de una retrospectiva tratada desde la temática y no desde la cronología. No vamos a hacer un recorrido a través de la pintura de Munch desde sus inicios hasta su muerte, sino que vamos a adentrarnos en el mismo mundo del artista, en lo más profundo de sus emociones. Las preguntas que responde la muestra son claras: ¿Qué le preocupaba a Munch? ¿Por qué pintaba esas escenas? No hay nada más enriquecedor que conocer al artista desde dentro. 

El nombre de la exposición ya nos da una pista sobre esto. Arquetipos hace referencia a los conceptos, a la temática (por así decirlo) que trató Munch en su pintura. Fue un pintor atormentado, perseguido por la desgracia, la enfermedad y la muerte. En su pintura no encontraremos temas agradables, apacibles, y sosegados, sino que se experimenta el lado más gris del ser humano. Entre ellos encontramos: 

Melancolía
¿Qué tiene la melancolía que es tan adictiva? Ese momento de reflexión y añoranza de un (supuesto) pasado mejor. Munch sabe expresar esta viva emoción en la obra Melancolía, en la que la figura humana queda relegada a un rostro en una esquina, dando importancia a un paisaje solitario que, inevitablemente, invita a la introspección. 

Muerte
Tan temida y tan presente en la obra de Munch, cobra especial importancia en La niña enferma (1907). El sentimiento desgarrador ante la enfermedad (probablemente terminal), se hace visible en la figura femenina que la acompaña. Dolor e impotencia reunidos en una sola imagen que habla por sí misma. 

La niña enferma (1907)

Pánico
El siglo XIX fue el siglo de la industria, y las ciudades empezaron a convertirse en centros de ruido y aglomeración, en las que reinaban sensaciones como la agonía, la angustia, y el agobio. Munch intentaba huir de esas emociones, pero igualmente las expresó en obras como Ansiedad (1896), y el famoso El Grito, como símbolo de la sociedad moderna. El grito desgarrador simboliza esa necesidad de desahogo, de escapar de un mundo cada vez más rápido, ruidoso y hostil.

Sobre El Grito, él mismo escribía:
"Un día al atardecer yo caminaba por un sendero en los alrededores de Kristiania- en compañía de dos camaradas. Era una época en que mi alma estaba destrozada por la vida - el sol se ponía - acaba de descender bajo el horizonte. Entonces una espada fulgurante y sangrante desgarró la bóveda celeste. El aire se volvió como de sangre - estriado de llamas. Las colinas se volvieron de un azul profundo. El fiordo se volvió azul acero - el rojo sangriento y estridente en el camino y en la rampa. El rostro de mis compañeros se volvió blanco-amarillento. Yo sentí como un gran grito - oí verdaderamente un gran grito. Las líneas de la naturaleza estaban entrecortadas de colores - líneas y colores vibraban en un movimiento - no solo mis ojos captaban estas vibraciones de luces sino también mis oídos - entonces oí verdaderamente un grito. Fue entonces cuando pinté El Grito". 

Mujer
La mujer es uno de los temas más utilizados en la historia del arte, y Munch no iba a ser menos. En la exposición, podemos ver cómo trata el artista el tema femenino, desde la inocencia de la pubertad hasta la seductora femme fatale

Cenizas (1925)
Amor
Un beso íntimo, discreto. Dos figuras se convierten en una sola, ¿qué hay más romántico que eso? La fusión de dos cuerpos en uno, en el que no hay límites, no hay líneas, solo una figura abstracta que engloba toda la emoción. 

"El beso", en diferentes versiones y formatos. Uno de los temás más utilizados por Munch.

Desnudos
Otro de los temás más recurrentes, herencia del arte académico. Munch utiliza el desnudo para expresar, para emocionar y conmover al espectador. En mi opinión personal, esta sala posee dos auténticas joyas de la exposición. Los dos "desnudos llorando", colocados uno al lado del otro, son la más pura expresión de todo lo que Munch quería reflejar en sus obras: el dolor y la angustia, unidos a la belleza del cuerpo femenino y el trato expresionista del color. 
 
Desnudo llorando (1913)

La exposición está formada por un total de 80 obras, la mayoría procedentes del Munch Museet de Oslo, además de otros museos como la National Gallery de Washington, el Metropolitan de Nueva York, el mismo Museo Thyssen, y colecciones privadas. Es una de las retrospectivas más importantes de este pintor fuera de Oslo, a pesar de que ahora, al mismo tiempo, se está mostrando su obra en comparación con la de Vincent Van Gogh en la exposición Munch-Van Gogh en el museo Van Gogh de Amsterdam.

"Si no hay grito la exposición va a perder mucho" - es algo que muchas personas me han comentado. Y es que estamos acostumbrados a admirar al icono, al objeto idealizado, a la obra maestra por excelencia de la cual no sabemos ni su origen, ni su significado, ni la trascendencia, ni las características que posee y que la han convertido precisamente en uno de los mayores referentes de la pintura universal.

Que quede claro, Munch es más que El Grito, y para eso nada mejor que conocer su obra. Puedo asegurar, de hecho, que después de descubrir la pintura de Munch cualquiera podrá encontrar otra pintura que le guste o le transmita más que el famoso grito. No nos quedemos en la superficie, en lo famoso, en el mito, en lo anecdótico, y ampliemos nuestro horizonte y nuestras miras. Hay mucho más que descubrir.

En realidad, la pintura de Munch no está para contarla, sino para vivirla. Es prácticamente imposible expresar en palabras lo que Munch transmite en sus obras. De ahí que, después de doce años, siga siendo uno de mis artistas preferidos. 

¿Te animas a descubrirlo?

martes, 17 de junio de 2014

#VisitasDF: Arte contemporáneo y un buen vino

Hace poco más de una semana tuve el honor de poder asistir como invitada a una ruta artística muy especial: #VisitasDF. Una interesante iniciativa de la cual estaba deseando dejar constancia en mi blog. 

Este nuevo proyecto ideado por Agenda Magenta y LANAU, nace con la intención de acercar al público el arte contemporáneo y el mundo de las galerías de arte, esos espacios aparentemente inhóspitos y en los que a veces nos da un poco de apuro entrar. Al mismo tiempo, su objetivo es revitalizar la famosa calle Doctor Fourquet, muy cerca del Museo Reina Sofía, en la que se reúnen unas 14 galerías de arte.

Tras reunirnos en LANAU, el punto de encuentro, iniciamos el tour de mano de nuestro guía David, que se centró en la visita de estas cuatro galerías: 

  • Galería Bacelos. (Doctor Fourquet, 6). La parte que falta. Artista: Lúa Coderch.
  • Galería Liebre. (Doctor Fourquet, 30). Neo-Romanticismo. Artistas: Filippos Tsitsopoulos y José Luis López Moral.
  • Galería Alegría. (Doctor Fourquet, 35). Desorden. Artista: Juan Escudero
    // La Kasa del carpintero insurgente. Artista: Idoia Montón. 


Cabe resaltar la buena elección de las galerías, cuyas exposiciones son verdaderamente destacables y muy interesantes. Un valor añadido y muy agradecido es la posibilidad de poder contar con la  colaboración de los propios galeristas que, con el fin de dinamizar y ayudar a la comprensión de las obras, se ofrecen a dar detalles y explicaciones acerca de los artistas y sus creaciones. Un verdadero lujo.

La última parada del recorrido es La Fisna, donde, como guinda del pastel, los asistentes pueden degustar un rico vino mientras sacan conclusiones de la visita, intercambian impresiones, o simplemente disfrutan de una agradable charla con los compañeros. Sin duda, un plan perfecto para una mañana de sábado o una tarde de diario durante estos meses de verano.

¿Te apetece? ¡Apúntate ya a alguna de sus visitas! Puedes consultar los horarios y más información en la página oficial de Agenda Magenta.

¡Anímate!

jueves, 12 de junio de 2014

¿Qué hay que saber para trabajar en un museo?

Después de analizar y reflexionar en el pasado #MuseosPro acerca de los diferentes perfiles profesionales que trabajan en los museos, en el próximo debate se hablará acerca de la formación de estos mismos profesionales. ¿Qué estudios son "necesarios" para poder trabajar en un museo? ¿Cuál es la mejor opción formativa? ¿Qué nos van a pedir de cara a un puesto de trabajo?

Desde mi experiencia personal,  y creo que todos estaremos de acuerdo, opino que una buena formación base en el ámbito en que queremos desarrollar nuestra actividad es fundamental. De ahí el protagonismo que han ido adquiriendo en los últimos años los posgrados y másters, los cuales cada vez son más numerosos y específicos.

En primer lugar, es importante saber qué tipo de perfil queremos tener y enfocar así nuestra formación: si queremos tener una visión general, si nos decantamos por la gestión, por la museología, por la comunicación, o bien por la educación. En mi opinión, la especialización del perfil, preferiblemente con unos conocimientos básicos en Museología o museos, favorece el enriquecimiento del equipo y la comunicación entre profesionales, así como a llevar a cabo un proyecto común sin entromisiones ni intrusismos.

Una vez elegida la rama profesional, los aspectos más importantes a tener en cuenta a la hora de realizar un posgrado o máster son los siguientes:
  • Temario amplio y específico.
  • Metodología basada en ejercicios de evaluación, supuestos prácticos, ensayos, y seguimiento por parte de un tutor y total disponibilidad del mismo.
  • Profesorado profesional y con experiencia en la temática.
  • Posibilidad de prácticas o seminarios en los que aplicar los conocimientos teóricos. (Muy importante).
Sí, las prácticas son muy importantes, es la prueba donde tenemos que demostrar nuestra capacidad profesional. Porque, ¿de qué nos vale saber cómo funciona o se gestiona un museo si luego no vamos a comprobarlo mediante la experiencia? ¿Para qué queremos saber cómo funciona un coche si no vamos a conducirlo?

Sin embargo, por desgracia, no son muchos los másters o postgrados que garantizan la posibilidad de realizar prácticas en instituciones culturales, y muchísimo menos remuneradas (inexistentes me atrevería a decir). No solo se debería fomentar la creación de nuevos convenios, sino también, a su vez, mejorar la calidad de estas experiencias profesionales. Tanto por parte del centro educativo como por la mismas institución, se debería velar porque los alumnos/becarios salgan con conocimientos prácticos útiles para el desarrollo de su profesión. Actualmente, los estudios de grado incluyen un período de prácticas de carácter opcional; queda por saber la calidad del mismo y su utilidad de cara a la inmersión laboral.

Tampoco podemos esperar que un máster o un posgrado nos abra las puertas de los museos. Si es importante la formación, la experiencia lo es aún más, y me atrevo a afirmar que es lo que más se mira a la hora de elegir un candidato en cualquier ámbito laboral. Por eso mismo, lo ideal es aunar conocimientos y mucha práctica y, en estos tiempos que corren, a falta de posibilidades de conseguir un trabajo en este sector que nos permite engrosar el currículo, pocas alternativas quedan a la de emprender e iniciar proyectos profesionales de manera individual o con algún colectivo ajeno a grandes instituciones, pero ese ya es otro tema... Otra posibilidad es intentar optar a alguna de las becas ofrecidas por el Ministerio de Cultura o el de Exterior, como las de Gestión Cultural en el Exterior convocadas por MAEC-AECID, las del Museo Reina Sofía, el Museo del Prado, y demás. Yo, personalmente, es una opción que dejé de contemplar, pero sin duda es una muy buena oportunidad para conocer desde dentro la maquinaria de las instituciones culturales.

Parece que acceder a un puesto de trabajo en un museo no es cosa sencilla, y puede desanimar el pensar que todo esfuerzo es en balde. No seré yo quien empiece a hablar de los métodos de selección y contratación, pero sí defiendo una formación cultural (y por qué no, museológica) completa basada en la teoría y reforzada en la práctica como parte esencial de un trabajador cultural. Es la única arma de la que disponemos para enfrentarnos a la cruda realidad laboral: buscar vías, seguir trabajando, aprender cada día y convertirnos en auténticos profesionales. En mi caso personal puedo decir que sido afortunada, pero siempre habrá un escalón más que subir.

lunes, 26 de mayo de 2014

Los profesionales de museos hablan: #MuseosPro

En el anterior post, hace cosa de 2 meses, os hablaba de la iniciativa #MuseumWeek, llevada a cabo durante la última semana de marzo en Twitter, con el fin de difundir la imagen de los museos.

Bien, a raíz de esta iniciativa, y ante la diversidad de cuestiones que surgieron en torno a los museos durante esa semana, surgió una nueva propuesta de mano de Laura Cano (Via di Uscita) y secundada por Almudena López Molina: #MuseosPro.


¿En qué consiste #MuseosPro?

Se trata de una nueva iniciativa online centrada en debatir y tratar diferentes cuestiones relativas a los trabajadores de museos. Al igual que otras iniciativas como la anteriormente citada #MuseumWeek, y #Cultura18, que ya muchos conoceréis, se desarrollará fundamentalmente en Twitter, y estará totalmente abierto a todos aquellos que quieran participar. Si estás interesado, sólo tienes que conectarte cada jueves de junio, de 19 a 21 horas, bajo el hashtag #MuseosPro.

Una vez supe de este proyecto, no pude evitar apuntarme al instante como colaboradora. Creo que, como trabajadora de museos y con estudios en Museología, es una oportunidad única para aprender, investigar, intercambiar conocimientos, descubrir, y contribuir a mover este sector, tan anclado y tan perjudicado por la presente crisis. Me parece fundamental fomentar la visibilidad de estos profesionales, así como de su actividad y sus objetivos, con el fin de dar más transparencia a los museos y lo que hay detrás de ellos. Es más, sería deseable poder pasar del "hablar de museos" a "hablar con los museos", establecer un diálogo real con las voces de estas instituciones.

Espero que esta iniciativa tenga resultados positivos, que ayude a esclarecer ciertas cuestiones, a fortalecer la imagen y las condiciones de los museos y sus trabajadores.

Próximamente iré contando más cosas en la página de Facebook de este blog. De momento, apunta en la agenda el próximo jueves 5 y no faltes a la cita. Si quieres más detalles, entra en su página web, y ¡apúntate!


lunes, 24 de marzo de 2014

Empieza #MuseumWeek, la semana de los Museos en Twitter

He vuelto, ¡por fin! Y durante toda esta semana os daré la lata con el acontecimiento del momento: #MuseumWeek, una semana en la que los museos cobran protagonismo en la red social Twitter. 


El fin principal de esta iniciativa es dar a conocer los museos, sus actividades y funciones, compartir contenido y crear un diálogo entre las instituciones y su público mediante el uso del hashtag #MuseumWeek. Se desarrollará desde hoy lunes 24 hasta el domingo 30, y participan tanto museos e instituciones de España, como de Reino Unido, Italia y Francia (puedes encontrar la lista entera en la web oficial del evento).

Para articular el desarrollo de este proyecto, cada día estará dedicado a un tema específico:

Hoy, lunes, se habla de la vida en los museos. Mediante el hasthag #AdayInTheLife, se podrá preguntar, responder, y conocer acerca de todo lo relativo a la actividad diaria de un museo. Son muchos los museos ya que ofrecen imágenes de sus empleados trabajando o de sus salas vacías antes de la apertura. Es una oportunidad única para hacernos una ligera idea de cómo se trabaja en un museo, sus entresijos, y para conocer esas áreas que normalmente están cerradas al público. Es tu momento de pedir, ¡pregunta lo que quieras!

La programación del resto de la semana es la siguiente:

Martes 25:  Pon a prueba tus conocimientos (# MuseumMastermind)
Miércoles 26:  La historia del museo (# MuseumMemories)
Jueves 27:  Detrás de la escena (# BehindTheArt)
Viernes 28: Pregunte a los expertos (# AskTheCurator)
Sábado 29:  Autoretratos en el museo (# MuseumSelfies)
Domingo 30: Impulsa la creatividad (# GetCreative)

Esta iniciativa, sumada a otras tantas como #AskACurator o #Museumselfie, contribuyen a potenciar la presencia de los museos e instituciones culturales en los medios digitales, algo que es parte fundamental para su desarrollo y modernización, incluso me atrevería a decir para su supervivencia en algunos casos.

No esperes más y únete ya a la conversación con el hasthag #MuseumWeek, ¡no llegues tarde!

lunes, 21 de octubre de 2013

¡Yo tomaré una de arte! Arranca la segunda temporada de ArteLateral

El arte ya no se ve sólo en museos, galerías, fundaciones y centros culturales...¡sino también en restaurantes! Y es que resulta que la cadena Lateral ofrece las blancas paredes de sus establecimientos para mostrar auténticas obras de arte emergente. El proyecto se llama ArteLateral y, tras arrancar en octubre de 2012, ahora inaugura su segunda temporada.
 
ArteLateral es una nueva e innovadora línea de mecenazgo llevada a cabo por los restaurantes Lateral y cuatro jóvenes comisarias (Almudena Cruz, Águeda Esteban, María Mallol, y Blanca Uría), con la colaboración de Mahou y American  Express. Su objetivo es dar a conocer nuevos artistas y proyectos, mediante la coordinación de exposiciones en los diferentes locales que tiene la cadena en Madrid.

Resulta interesante el doble objetivo de este proyecto: crear una innovadora modalidad de mecenazgo, en la cual ni las comisarias ni el propio local percibe ningún tipo de beneficio en caso de venta de obra, y en la que se establece una estrecha relación con el artista y sus necesidades técnicas y logísticas; y por otro lado, la intención de integrar el arte en el día a día, haciéndolo lo más accesible posible a cualquier tipo de público...¡a todo aquel que se siente a degustar la riquísima comida de Lateral, claro!

Con el objetivo de conocer un poco más este proyecto, el pasado martes fui invitada a contemplar en directo la creación de "En Çiron vuelan", la propuesta artística de Alfredo Santos para Lateral Arturo Soria. Durante la velada, tuve la oportunidad de hablar con el artista y así pude conocer un poquito más sobre su obra y el sentido de su proyecto.
  
Alfredo Santos (Santander, 1974) nos presenta una serie de grandes murales realizados en tiza, en los que las formas geométricas se combinan con formas sinuosas y espontáneas, libres y sin ataduras. El artista dibuja de manera espontánea, rechazando la pintura encorsetada y defendiendo la libertad de los trazos, que fluyen de manera natural creando líneas sinuosas que forman una composición realmente armónica que podría fácilmente no tener más fin que los límites de la pared. Es realmente impresionante ver cómo dibuja sin ningún tipo de duda, de manera improvisada y sin hacer ninguna rectificación, dando como resultado una creación artística espectacular, limpia y bella. 

Alfredo Santos en pleno proceso creativo, en Lateral Arturo Soria

Según el artista,este dominio del trazo y de su espontaneidad, no es algo que se consiga fácilmente. De eso quedamos todos bien seguros. Según afirma, requiere mucha experiencia, y sólo mediante la práctica un artista es capaz de conocer su trazo, y su propio método. 

Dibujo en lámina de Alfredo Santos.

Su arte se basa en esta línea de la espontaneidad, de crear según las emociones instantáneas,del momento, de lo que fluya en tu interior. Y esto es visible tambien en la realización de performances en las que interviene la música y la danza, como la que realizó en 2011 en el centro El Embarcadero, en Cáceres. Podemos ver en este vídeo, extraído de su mismo blog, cómo el acto de creación se entremezcla con la misma danza; tres artes unidos creando un único elemento, el cual no puede prescindir de ninguno de ellos para existir.


Sinergia 0.1 from Cabeza de Ratón on Vimeo.

Podemos resumir la obra de Alfredo Santos diciendo que todo lo que tiene en su mente va a su mano, y de ahí a la tiza, y de ahí al soporte.

Además de los murales de Alfredo Santos, no os podéis perder las demás exposiciones en los otros restaurantes Lateral, con propuestas igual de interesantes. ¡No esperéis más!
  • Lateral Arturo Soria, (Calle Arturo Soria, 126-128. Centro Comercial Arturo Soria Plaza): En Çiron vuelan (Artista: Alfredo Santos)
  • Lateral Castellana 42. (Paseo de la Castellana, 42): Pequeños vicios del coleccionismo (Varios artistas)
  • Lateral Castellana 89 (Paseo de la Castellana, 89): Inside Istambul (Artista: Eduardo Marco)
  • Fuencarral (Calle Fuencarral, 43): Femmes actuelles (Artistas: Fayer Cross y Anthony Prévost)
  • Santa Ana (Plaza de Santa Ana, 12): Algunas obras completas de Javier Cruz y Rocío Cañero
  • Velázquez (Calle Velázquez, 57): Selected Works (Artista: Mar García Albert). 


Fayer Cross (Madrid 1983)
Lady Anarchy, London 2010
www.aquemarropafilms.com
(Lateral Fuencarral)

Anthony Prévost
(Lille, 1980)
we are black thunder #4, 2012.
Impression inkjet sobre papel
Hahnemuehle Fine Art Pearl.
www.anthonyprevost.com
(Lateral Fuencarral)
 
Mar García Albert
Headbanging. 2013. 
leo sobre lienzo. 
(Lateral Velázquez)
Imagen de la exposición en Lateral Santa Ana